音楽やオーケストレーションを書くキャリアを探しているなら、ビデオ ゲーム音楽の分野には多くのチャンスがあります。ビデオ ゲームの作曲家は、ゲーム開発者と協力して、ゲームプレイ中に聞こえるテーマ音楽や付随音楽で構成されるビデオ ゲームのサウンドトラックを作成します。
信じられないかもしれませんが、歴史上最も有名な録音のいくつかは、音楽を初めて見た人々によって演奏されました。 20 世紀半ば、レッキング クルーやファンク ブラザーズなどのプロのスタジオ アンサンブルは、演奏する曲をほとんど知らなかったにもかかわらず、トップ 40 のヒット曲を作りました。ハリウッドの映画スタジオでは、プロのオーケストラが映画のスコア キューを 1 回のテイクで追跡することがよくあります。これはどのように可能ですか？なぜなら、これらのミュージシャンはサイトリーディングの達人だからです。
練習パッドでのドラムの初歩から他のミュージシャンとのジャム セッションまで、ドラムスティック テクニックをマスターする前に、スティックを保持するために使用するグリップの種類を強化する必要があります。
ソングライティングの芸術は、多くのスキルを組み合わせています。音楽に関して言えば、ソングライターまたはソングライティング チームは、曲の構造、メロディー、ハーモニー、リズム、楽器編成に取り組む必要があります。これらの音楽要素に加えて、ソングライターは歌詞の作成にも取り組む必要があります。優れた歌詞を書くための統一の秘訣はありませんが、書くプロセスを開発することで、最初の行から最後の行まで集中力を維持できます。
チェスのオープニングに近づくことは、ゲームを学ぶ上で恐ろしいことかもしれません。何百もの可能な開口部と、それらの開口部に基づいてよく研究された何百ものバリエーションがあります。これらの何千もの可能性の中で、クイーンズ・ギャンビットは最も古く、最も有名なオープニングの 1 つであり、19 世紀から今日まで多くのグランドマスターによって大きな効果を発揮してきたものです。初心者にも開放感たっぷりです。
音楽の構成を理解するには、強い内耳が不可欠です。そのため、ほぼすべての音楽学校で、生徒に耳のトレーニング クラスの受講が義務付けられています。優れたミュージシャンは、パフォーマンスの質を向上させる高度なリスニング スキルを持っています。これらのスキルは、音楽を学ぶ学生や、音楽を聴き、理解し、演奏する上で上達したい人にとって不可欠です。
クラシック音楽のロマン派時代は、19 世紀のほとんどの間続きました。それは、モーツァルトやハイドンのクラシック音楽と 20 世紀の音楽の間のギャップを埋めました。ロマン派時代の音楽は、今日の交響楽団のレパートリーに大きく貢献しています。
メロディーは、おそらく音楽作品の最も識別可能な要素です。それは、ソウルフルなボーカル パッセージ、轟音のギター リフ、または速いサックスの演奏です。メロディーはシンプルでも複雑でもかまいません。それらは単独で使用することも、他のメロディーと一緒に使用してより複雑な構成にすることもできます。
インストゥルメンタル音楽は、リズム、メロディー、ハーモニーの 3 つの主要な要素で構成されています。これらの要素の最後であるハーモニーは、コードによって表されます。
優れたバイオリニストは、多くの分野で知識を蓄えなければなりません。演奏技術は明らかです。バイオリニストは、第 1 ポジションから第 2 ポジション、第 3 ポジション、第 4 ポジションまで、楽器の弦をどのような方法でも弓、指で弾き、弾くことができなければなりません。ヴァイオリンの偉大な文学に関する知識も必要です。モーツァルト、ベートーヴェン、ブラームスからマーク・オコナー、ジャン＝リュック・ポンティに至るまで、あらゆるジャンルのヴァイオリン音楽が豊富にあり、プレイヤーがなじみがあると予想されます。高音部記号で楽譜を読む能力も必要です。最後に、おそらく最も重要なこととして、バイオリニストは自分の楽器を理解する必要があります。ヴァイオリンを製作、改造、修理する専門家は大勢いますが、これらの人々は弦楽器製作者として知られていますが、プレーヤーは自分の楽器のマイナーなメンテナンスを行うことが期待されます。また、教師、他の演奏者、または指揮者と対話するために、楽器の各部分を知る必要があります。
曲を書くには、創造性とインスピレーションが必要です。しかし、ソングライティングの基本的な要素をしっかりと理解すれば、持続的でキャッチーな曲を作ることができます。
映画音楽は、映画において重要な役割を果たします。無声映画の時代、劇場では生のオーケストレーションが無声映画を伴っていました。テクノロジーがフィルム リールにオーディオ トラックを追加できるようになると、楽譜はフィルムの視覚的イメージと絡み合うようになりました。
エレキギターの early明期には、音に影響を与える方法は 1 つしかありませんでした。それは、アンプのボリュームを歪み始めるまで上げることです。その後、アンプは EQ、リバーブ、トレモロなどのエフェクトを追加しましたが、トレモロはビブラートと誤って表記されることがあります。真のビブラートは、発音されたノートのピッチをわずかに変更することを含みます。これは、Leslie Corporation によって製造されたような回転スピーカーを使用して最もよくキャプチャされました。ビブラート効果からコーラス効果が出ました。
音楽は、メロディー、ハーモニー、リズムの3つの主要な要素で構成されています。 (歌われる音楽は、4 番目の要素である歌詞を追加します。) これらの最初の 2 つの要素、メロディーとハーモニーは、ピッチの配置に基づいています。また、これら 2 つのコンポーネントは連携して機能しますが、混同してはなりません。
アルゼンチンのすべての文化的輸出品のうち、アルゼンチン タンゴの影響を受けたものはほとんどありません。 20 世紀初頭以来、タンゴ アルヘンティーノとタンゴ ダンスの伝統は、ラテン アメリカ、ヨーロッパ、北アメリカ、さらにその先に広がり、世界的な音楽現象となっています。
音楽は、メロディー、リズム、ハーモニーの3つの主要な要素で構成されています。最初の 2 つは通常、音楽を印象深いものにする責任がありますが、ベートーヴェンの交響曲第 5 番のオープニングのモチーフや、ジェイ・Z の曲「ダート・オフ・ユア・ショルダー」でのティンバランドのシンセなめなどを考えてください。作品を一般的で予測可能なものから、挑戦的で洗練されたものに引き上げることができます。
作曲家や編曲家が、ピッチや音色について具体的な推奨をせずに、リズム情報をミュージシャンに伝えたい場合、ゴースト ノートを使用することがよくあります。
ソナタ形式は、クラシック音楽理論の柱です。クラシック ソナタ形式は、ピアノ ソナタでのよく知られた用途に加えて、多くの交響曲、協奏曲、弦楽四重奏曲の構築を導いてきました。
初期のエレキギターは、クリーンで明るいサウンドを目指して設計されました。チャーリー クリスチャンのような先駆的なエレクトリック ギタリストは、大規模なジャズ オーケストラで演奏し、アンプを使用してサックスやトランペット奏者のスタイルでソロを演奏しました。今日に至るまで、ほとんどのジャズ プレーヤーは、エレクトリック ギターのかなりクリーンなサウンドを好みます。しかし、ブルースとロック プレーヤーは別の見方をしています。 1950 年代以降、これらのジャンルのプレーヤーは、ギター アンプの音量を最大にするようになりました。これは、デバイスに電力を供給する真空管をオーバードライブするのに役立ちました。それは、プレイヤーと聴衆の両方にすぐに愛されるレベルの重い彩度を生み出しました。したがって、オーバードライブという用語が生まれました。
エレクトロニック ダンス ミュージックは、21 世紀に飛躍的に成長しました。デジタル オーディオ ワークステーション (DAW) ソフトウェアの出現のおかげで、信頼できるホーム コンピュータがあれば誰でも EDM プロデューサーになれます。